EL PENSAR

"Hasta el instante previo  al momento en que empezamos a escribir, tenemos a nuestra disposición el mundo, el que para cada uno de nosotros constituye el mundo, una suma de datos, de experiencias, de valores, el mundo dado en bloque, sin un antes y un después, el mundo como memoria individual y como potencialidad implícita; y lo que queremos es extraer de ese mundo un argumento, un cuento, un sentimiento: o tal vez más exactamente, queremos llevar a cabo un acto que nos permita situarnos en este mundo."

Ítalo Calvino, Seis propuestas para el nuevo milenio, 2002. Pág. 125

Mi propuesta se vasa en una secuencia de 4 fotografías que para mi describen como se produce un proceso de creación, las palabras (objetos, cosas) son la apertura a un espacio de relaciones que le dan lugar a la cosa, y permiten  que esta exista  y sea vivenciada en un lenguaje que no se manifieste desde la convencionalidad y el consenso de las cosas mediante su sola mención.

Tomo en las 4 fotografías el agua primero porque es fuente de vida solamente pensar en ella para mi es creación, pero desde el primer  momento, vi sus movimientos como parte fundamental de mi propia matriz de creación, en mi se conciben diariamente muchas ideas pero para que ellas fluyas necesito que un momento, una vivencia, un recuerdo, o algo dilate y saque dentro de mi  esa idea para poder crear algo, después de que  hay una dilatación y la creación fluye, cada comentario, cada momento, cada lugar es una retroalimentación de mi proceso de creación, cada ondulación que hace el agua explica ese ir y venir de cada una de mis creaciones o de cada una de mis acciones.

Tomando como referencia a  Wittgenstein (en Investigaciones Filosóficas) nombrar es una preparación para describir. Cuando nombramos una cosa aun no se ha hecho nada. Las cosas tienen su  nombre en el juego, en las relaciones que se pueden dar en las infinitas combinaciones de las mismas. Es entonces a partir  de ese tener nombre (de las cosas) en el juego, que podemos inferir, como el ser o no ser, no va ligado al elemento  unitario sino que se establece a partir de la existencia (o no existencia) de las relaciones entre elementos. Relaciones que podemos dar cuenta,  en  un lenguaje que no sea el de  lo innombrable, sino, el de lo posible.

Soy  una mujer  100% corazón, presa de sus propios sentimientos,

Llena de miedos y sueños frustrados  que atacan como cuchillos mi alma.

Soy un toro el todas las noches en la oscuridad de su habitación se prepara

para salir con todas sus fuerzas al ruedo pero al final termina  la faena, sin fuerzas y

agachando la cabeza esperando la estocada final de cada día.

Soy una soledad ambulante que todos los días tiene espectadores sedientos de conocimiento y de

ganas de vivir, que son los que llenan de esperanza la vida y que me enseñan que algún día

Encontrare paz y que mi corazón pasara de latir 60 pulsaciones por minuto a 100,

 y gritare libertad, y bailare bajo la lluvia, y amare como nadie ha amado en este mundo, y saldré a

la calle y me sentiré feliz de cuanta adversidad se presente, tocare las puertas

del cielo pero con los pies más firmes  en la tierra que nunca sin importar que pase a mi alrededor,

sin que nadie perturbe, sin que nadie por ser parte de mi corazón haga cambiar mi forma,

de pensar y de sentir o trate de hacer daño, y daré a dios gracias y a la vida por ser capaz de

perdonar y sanar mis heridas, por aprovechar mis 5 sentidos y utilizarlos

para crecer en todos los aspectos de mi existencia, por darme la oportunidad de poder servir a los

demás y hacer de mi país algo  mediana mente mejor.............

Soy una mujer en proceso de cambios ente ellos  de maduración buscando independencia

Y conocimiento como parte del proceso de sanación, en  busca de un hogar propio lleno de amor,

Donde cada uno sea un libre pensador, donde la violencia verbal y física  nunca sea un arma para

Combatir el otro, donde todos vivamos para todos, donde pueda ser feliz sin tener nada  que me

De poder o valor.

Debido a mi experiencia como cosmetóloga y estilista formulo una propuesta a partir de una pregunta que me surge muchas veces en mi quehacer diario "Si se que duele porque lo hago", tomo como base la belleza como el seguimiento de un canon que los medios visuales han creado, donde lo único que importa es verme como los personajes que los medios televisivos muestran, sin importar el dolor que esto cause, sin importa el riesgo que corra mi vida o mi integridad, pero hasta qué punto este dolor físico, sicológicamente se convierte placentero.

El resultado es un video donde se muestra el procedimiento de depilación con cera de abejas caliente en partes demasiado sensibles, donde los bellos sirven como protección para no contraer enfermedades, pero que en realidad lo único que interesa es estéticamente que se vea bien para nuestra sociedad, la utilización de la cera de abejas es una técnica de depilación bastante dolorosa porque lo que hace es arrancar el bello desde la raíz dilatando y debilitando el folículo piloso que es la parte que produce bello, el procedimiento puede producir sangrado, enrojecimiento, alergia al producto y hasta producir quistes o abscesos, pero  a favor el cliente obtiene aclarar su piel, perdida de bello a partir de que van pasando las semanas y una piel totalmente lisa por mas o menos 20 días a 1 mes, publicidades como Calvin Klein y Victoria Secret se han encargado de mostrar las partes intimas de la mujer siendo poco naturales, mostrando  el ser humano como un ángel sin defectos físicos, logrando esto que la persona no solo consuma su producto sino que quiera adquirir la misma apariencia de sus modelos sin importar el costo ni el dolor.

El ser humano actual tiene miedo a mirar atrás y reconocer de donde proviene quiere olvidar, donde cada parte realizaba su función por que era necesario y nada se veía antiestético o estético, donde cada día el hombre se sentía mas de esta tierra, importaba el viento, la luna, el sol y entendía  que todo esto era necesario para que su cuerpo estuviera vitalmente fuerte, que todo lo que giraba dentro de esa sola tierra vivía para ella y para el bienestar de ell

Debido a mi experiencia como cosmetóloga y estilista formulo una propuesta a partir de una pregunta que me surge muchas veces en mi quehacer diario "Si se que duele porque lo hago", tomo como base la belleza como el seguimiento de un canon que los medios visuales han creado, donde lo único que importa es verme como los personajes que los medios televisivos muestran, sin importar el dolor que esto cause, sin importa el riesgo que corra mi vida o mi integridad, pero hasta qué punto este dolor físico, sicológicamente se convierte placentero.

El resultado es un video donde se muestra el procedimiento de depilación con cera de abejas caliente en partes demasiado sensibles, donde los bellos sirven como protección para no contraer enfermedades, pero que en realidad lo único que interesa es estéticamente que se vea bien para nuestra sociedad, la utilización de la cera de abejas es una técnica de depilación bastante dolorosa porque lo que hace es arrancar el bello desde la raíz dilatando y debilitando el folículo piloso que es la parte que produce bello, el procedimiento puede producir sangrado, enrojecimiento, alergia al producto y hasta producir quistes o abscesos, pero  a favor el cliente obtiene aclarar su piel, perdida de bello a partir de que van pasando las semanas y una piel totalmente lisa por mas o menos 20 días a 1 mes, publicidades como Calvin Klein y Victoria Secret se han encargado de mostrar las partes intimas de la mujer siendo poco naturales, mostrando  el ser humano como un ángel sin defectos físicos, logrando esto que la persona no solo consuma su producto sino que quiera adquirir la misma apariencia de sus modelos sin importar el costo ni el dolor.

El ser humano actual tiene miedo a mirar atrás y reconocer de donde proviene quiere olvidar, donde cada parte a. Pero parece que todo esto se olvido el hombre se convirtió en un ser destructor de su mundo y de si mismo, creyéndose Dios y no haciendo parte de una tierra sino mas bien de un cielo donde todo es perfecto angelical donde todos los seres humanos se parecen y son hermosos, donde no existen problemas de dinero, de comunicación, de envidia, de mentiras, vivimos en una burbuja de cristal donde cerramos los ojos y todo es perfecto, pero los abrimos y todo es un caos donde no podemos  encontrar nuestras raíces ni nuestro propio ser, por esta razón cualquier cosa que nos recuerde lo instintivo, lo animal, lo primitivo lo mutilamos borrando cada bello que nos recuerde ser animales, convirtiéndonos en estatuas donde por nuestro cuerpo solo corren sedas y pétalos de rosas imaginario vendido por los medios de comunicación.

Durante mucho tiempo el cuerpo humano ha sido fuente de inspiración para muchos artistas, especialmente la publicidad, la fotografía y el cine han utilizado tanto el hombre como la mujer para transmitir mensajes, y marcar estereotipos logrando hacer que el espectador lea el mensaje y realice una traducción falsa de el mundo en que vive, mostrando como debemos vestir y como debe ser nuestra apariencia física para lograr determinado objetivo, es una mirada enfocada al comercio en la que no hay valores morales ni éticos.

La publicidad durante mucho tiempo ha estado encargada de la comunicación visual, y esto ha hecho que en parte este unido al arte, la publicidad no vende el objeto, sino la forma de ver y pensar a ese objeto es decir una serie de cualidades extras que no están en el objeto pero la publicidad las sugiere atreves de una poética y retorica visual que enriquece el imaginario del espectador y que asocia el objeto simple y físico a unas ideas de los sublime y lo bello., el siglo xx en el arte tuvo diferentes muestras y pensamiento de la concepción del cuerpo humano, empezando por los artistas griegos con su concepto de belleza y perfección, luego artistas como Cezanne y Picasso con el cubismo logran trascender con la figura y muestran una belleza diferente, rompiendo con el canon griego los artistas se liberan y cada uno empieza a representar el mundo como lo ve y como lo siente, cada artista representa un pensamiento individual con una mirada colectiva.

¿Pero que es un cuerpo vacio?

Para mí un cuerpo vacio un ser humano apartado de cualquier forma de identidad, o un cuerpo que no existe independiente a los objetos que vende que su único fin es vender. Por eso quiero tomar el arte y la publicidad para hacer un claro referente de ello, a continuación de este escrito veremos varios ejemplos de cuerpos vacios y el cuerpo como instrumento de comunicación y de arte.

Como dice el escritor Juan Carlos Pérez en su libro el cuerpo en venta: “El arte, el concepto de belleza va asociado a valoraciones personales; se trata en la mayoría de los casos de una búsqueda individual. En publicidad, sin embargo, el concepto de belleza esta siempre ligado a lo colectivo, no existe la búsqueda interior, sino la representación de los sentimientos colectivos, de las sociedades de cada momento. La publicidad parece más empeñada que nunca en construir un modelo de belleza único, un modelo de belleza que está muy ligado a lo irreal, lo artificial y digital. Este modelo se ha puesto como un canon universal de belleza, que trata de imitar muchos de los hombres y mujeres de los diferentes países industrializados del mundo y que condiciona el modo en que miramos y juzgamos a los demás…..”

Desde el pensamiento publicitario la persona humana pasa a ser cuerpo vacio ya que solo importa lo que muestra, su fachada, de esta manera ha vuelto a el ser humano especialmente la mujer un producto rentable, ya que la mujer como “objeto sexual” llama demasiado la atención entre consumidores y productores de toda clase de mercancía, miremos por ejemplo lo que dice que Germán García en su escrito el sexo en la publicidad : “En los últimos años los anuncios de pantalones vaqueros, perfumes, y muchos otros productos", refiere un analista, "han ofrecido imágenes provocativas que fueron diseñadas para activar respuestas sexuales de tan amplio espectro de la población como fuera posible, para dar una sacudida eléctrica por su ambivalencia, y para apelar a menudo a los deseos bisexuales reprimidos que se piensa comportan una mayor carga emocional."

Y el mismo Calvin Klein rotulaba a los pantalones vaqueros como afirmación de sexo, y añadía que "la abundancia de carne desnuda es el último intento de los publicistas de dar a productos redundantes una nueva identidad".

El sexo ha sido un factor fundamental en la publicidad y en el arte, ya que atrae de inmediato la mirada del espectador, especialmente en las publicidades de mujeres desnudas, en el arte la sexualidad es muy próxima a el artista ya que es tomada como un acto que produce placer y satisfacción tanto a el hombre como a la mujer. Esto se muestra muy bien en la obra de el artista Picasso el mino tauro donde es mitad hombre mitad animal, esto muestra claramente su apetito sexual, y su necesidad de saciarlo. “El mino tauro nos introduce en el mundo de las obsesiones surrealistas de Picasso: espejo de su subconsciente y expresión de su universo subjetivo e irracional. En el Mino tauro-Picasso hay mucha más pasión personal encriptado que ilustración de la mitología clásica, que sirve sólo de desencadenante para el atormentado mundo interior del artista, espejo de sus pasiones.”

Prueba de la importancia del la figura humana, y especialmente del sexo en la publicidad son los avisos que promocionan marcas de licores, en estos las fotografías muestran una constante analogía del pene del hombre en referencia a la botella y la vagina con el vaso así todas las imágenes que se exhiben son una simulación del coito, la botella viniéndose dentro del vaso. Esta imagen repercute en el imaginario de quien la ve, ya que esa insinuación da a entender que si se bebe el licor se accede a la relación sexual.

Así mismo sucede con los avisos de los perfumes, en los que se muestra un momento previo antes del acto sexual donde la mujer o el hombre seducen, inquietan y provocan con el olor.

Tanto el arte como la publicidad ha hecho que la palabra desnudo se remita de inmediato a la imagen femenina por que es la que todo el tiempo en fotografías, avisos publicitarios, etc, insinúa erotismo y despierta las mas desbordantes pasiones. En cambio en la mayoría de las publicidades masculinas el hombre aparece con ropa elegante y muy bien vestido para denotar estrato social y poder económico, de esta manera se muestra siempre a la mujer esclavizada y en parte sometida todavía al poder masculino.

Pero evaluemos como el cuerpo humano se convierte en otra cosa diferente a consumo, miremos como muchas de las tribus nativas de chile, amazonas y sudan utilizaban su cuerpo como medio de expresión religiosa, para mostrar su estado de ánimo o por gusto propio. Desde esta mirada nace el proyecto “cuerpos pintados”, empieza con 45 artistas chilenos, que se apropian del cuerpo como soporte pictórico, el cuerpo como medio del hombre para trasmitir, ya no ahí estereotipo todo cuerpo gordo o flaco es bello lo importante es el paso de cuerpo como algo carnal a arte, lo que importa para el artista es la experiencia misma sobre el cuerpo. Este movimiento es llamado Body Paint que es tomada como una de las primeras expresiones artísticas de nuestros antepasados, esta pintura corporal era utilizada como camuflaje para la caza, para las guerras como reconocimiento de tribu, o para impresionar a el enemigo, esta práctica se vuelvo a retomar y coge mayor significado a finales del siglo xx donde ya pasa a ser el artista el que dibuja y pinta sobre una modelo y donde ya el artista trae su mensaje a trasmitir. Este movimiento más que tratase de algo erótico y sexual lo que busca es trascender el significado del cuerpo humano.

Otro artista que manejo el cuerpo como arte, fue el fotógrafo Helmut Newton nacido en Berlin, un surrealista contador de historias, conocido por su gran gama de desnudos a blanco y negro, y por trabajar la moda y retrato. Newton cambio la forma de ver la mujer desnuda, porque su principal interés era cambiar la forma de ver el cuerpo y la feminidad, y tracen dio las imágenes con una profunda vocación filosófica, desde los pensamiento de Nietzsche, Foucault, y Bataille.

Su obra estaba basada en pensamientos como: “La apariencia no es lo opuesto de la verdad, sino su expresión. Lo que se nos manifiesta, lo que aparece, es la verdadera expresión metafísica de lo corpóreo. El mundo es totalmente ajeno a nuestras exigencias morales está siempre más allá del bien y del mal.”

Nietzsche

Helmut Newton dice:

“mujeres que aman y desean ser amadas, que gozan con sus cuerpos, que no tienen reparos en enseñarlos ni mucho menos lo consideran un simple objeto, si no todo un culto.”

Vanessa Prado hace todo un estudio a la obra del fotógrafo antes mencionado y dice:

“Si algo hay evidente en los desnudos de Newton (especialmente en la serie Big Nudes) es que los cuerpos de sus modelos son clásicamente "perfectos"; son equilibrados, y compositivamente armónicos, pero contienen un elemento de caos y de angustia (característico de la propia modernidad y del momento histórico en el que se encuentra), que es la pura irrealidad de sus propias modelos.
Sus desnudos aportan estabilidad, fijeza, parece que resisten al paso del tiempo en su "pureza" en su perfección, la perfección soñada por los artistas "platónicos", o al menos por las artistas dentro de una tradición "apolínea", pero justamente por eso, por la supuesta perfección de sus desnudos, nos aporta su punto más importante, su irrealidad.
Los desnudos de Newton están completamente fuera de lo "real", son puramente irreales.
En la Grecia, el arte no refleja nada real, nada que tenga ver con lo propiamente humano: es lo divino, igual que ocurriría con el mundo Cristiano.

La fotografía de Helmut Newton está completamente de lleno en esa dinámica: ya no es comprensible para los ojos de los "mortales", es algo que escapa a la comprensión de espectador.

El arte nuevamente no requiere explicación alguna, está ligado con lo irreal.

El desnudo ya no es inocente, ni es la clásica expresión de la belleza.

Existe una tremenda tensión sexual muy lejos de la serenidad habitual, sus desnudos expresan peligro, presión, rigidez.

La preocupación por el cuerpo es un fenómeno de esta época.

Newton, como hacen los filósofos arriba citados, da una vuelta de tuerca más al concepto de corporeidad humana, porque a Newton lo que realmente le interesaba era el sujeto, por eso Newton realizó sus series de maniquíes.
Las fotografías de maniquíes tratan la idea del vacío de sujeto, de la inexistencia de sujeto bajo el cuerpo, de la mera superficialidad de los cuerpos vacíos y fríos.

Su auténtica preocupación era el sujeto, y utilizó estratégicamente su posición de fotógrafo de moda para realizar un autentico ejercicio de reflexión, un ejercicio de reflexión que lleva desde Platón hasta Nietzsche retomando las cuestiones más importantes en estética.”

Para concluir pienso que los artistas deberíamos apropiarnos de el cuerpo, mas para trasmitir un mensaje, más que para exhibirlo o utilizarlo como objeto, cambiando las formas de verlo y tratando de sobre pasar las barreras que nos coloca la sociedad, estereotipando la persona y olvidando que mas que figuras, cuerpos o maniquís somos seres humanos con facultades de sentir, pensar y ser mediador de procesos transformadores en la sociedad.

Bibliografía

· Proyecto cuerpos pintados (www.cuerpospintados.com/historia)

· Sergio Aguado, escrito: “La vida es un sueño”

· Juan Carlos Perez, libro el Cuerpo en venta

· Artista Vera Lehndorff, cuerpos pintados cultura nuba.

En el mundo en el que estamos es imposible pensar que hay una sola forma de verlo , la posmodernidad todos los días nos ataca, cambiando nuestra mentalidad frente a las cosas, frente a mi obra, frente a mí como espectador y frente a mi vida.

Los artistas ya no están preocupados por mostrar cosas “bellas “como lo hacían los griegos, o por alcanzar un status como lo hacían en la modernidad. Como dice José Luis Pardo “se llega al arte contemporáneo a través de una carrera sembrada en atentados simbólicos” esto hace que la actitud estética del artista frente a la vida cambie.

Sygmunt Bauman en su libro ética posmoderna dice: el artista posmoderno “se arranca la máscara de la ilusión”, su pensamiento pasa a ser individualista, primero mi integridad antes que cualquier cosa, por eso el arte se convierte en una actividad pensada y muy pocas cosas se dejan al azar, el arte actual pide al espectador abrir su mente y su sensibilidad, no tanto para conmoverse con la obra, sino para convertirse en parte de ella, tenemos que darnos cuenta que el código ético de lo posmoderno es que no existe código.

Muchos críticos de arte se contradicen comentando que el artista posmoderno es el creador del capitalismo globalizado, ya que quienes compran sus obras y las proyectan son bancos multinacionales, gobiernos nacionales e industrias imperialistas. Mientras que el artista moderno tuvo más relación humana con la obra y el espectador afirman que el posmoderno se deshumaniza y se vende por completo.

Pero quiero compartir un poco el caso del artista Santiago Sierra posiblemente el artista contemporáneo español más famoso del momento y también más criticado por sus obras, miremos el caso de una de ellas que por solo el titulo se sabe como son las cosas.

“Santiago Sierra escandaliza Londres con una exposición de mierda

Expone una obra en una galería de Londres consistente en 21 monolitos compactos de caca seca.

Una obra de mierda, podría decirse. Pero, aunque todos sabemos que Sierra no es el primer artista que hace una obra de mierda, esa no es la cuestión. Lo importante es que la materia prima de la obra ha sido recolectada a mano por mujeres de Nueva Delhi y Jaipur "cuya casta les impide tener otro trabajo que sacar la mierda de los baños públicos". Por si no lo han notado aún, Santiago Sierra es el artista de la conciencia. Pero no la suya, sino la de ustedes.

Sierra le gusta llevar a banqueros, directores de museos y alta sociedad en general a ver cosas que no han visto nunca, precisamente porque pagan a gente para que las elimine, las tape o las disfrace. En este caso, mierda.

Pero cuidado: mierda seca, sanitarizada, mezclada con fevicol (un aglutinante plástico), curada en moldes de madera aromática y convenientemente desodorizada para no ofender a la delicada audiencia. Vamos, la misma mierda de siempre, sólo que en forma de monolito, con una historia de terror en la etiqueta y la muy cristiana intención de despertar un incontestable sentimiento de culpa.”

Fragmento tomado de la pagina: http://www.lapetiteclaudine.com/archives/012326.html

Las personas de la alta sociedad califican al artista como un perverso por que en la mayoría de las obras muestra cosas que para la sociedad no están muy bien vistas, como es pagarle a la gente para teñirse el cabello de rubio, masturbarse frente a una cámara de video, pero como el mismo autor lo dice:” Perverso no es masturbarse, teñirse o tatuarse la piel. La perversión está en el hecho de comprar cuerpos, voluntades, tiempo”

Creo que la mayoría de artistas e intelectuales se han olvidado de que la sociedad moderna es, entre otras cosas, también la sociedad capitalista. Y por lo que veo Santiago Sierra no lo ha olvidado y su tenacidad, han hecho que la fama y el triunfo no lo hagan cambiar su forma de pensar y ver la vida, y su teoría es muy clara “no todo se puede vender ni comprar”. hay que ir más allá de las cosas siempre para poder entender, no hacer como miles de personas en Londres y en Pereira que se escandalizan por ver una obra realizada con mierda, pero no se escandalizan porque mujeres tengan que trabajar sacando mierda de los baños públicos, se podría decir que este es un pensamiento bastante posmoderno, no nos importa lo injusto, estamos ciegos ante los problemas de nuestra sociedad y siempre nos preocupamos por cosas de el momento que en realidad son cosas vánales.

Lo que pasa en realidad es que la sociedad juzga el artista ya que este los enfrenta a una realidad que existe pero que estos prefieren no ver, escogen vivir como entes aislados de una sociedad compleja.

En el artículo anterior se toma como referente el escrito hecho por

Lucas Ospina “Diez variaciones sobre arte y ética”

1 Masacre

El texto habla de un jurado extranjero, encargado de seleccionar artistas locales para participar en el salón nacional de artistas, el manifestó que la escogencia de los artistas había resultado “toda una masacre”. Un artista local declaro su inconformismo encontra del uso de la palabra “masacre” que le dio el jurado extranjero, declarando el artista que la palabra masacre no debía ser utilizada de esa forma en un país como este, ya que esta nos recuerda a todo momento la violencia que se vive en el país.

Pienso que no se puede juzgar a todo el mundo por igual y tenemos que sacar provecho tanto de las cosas buenas que nos pasan; como de las cosas malas, lo importante no es ser artista para exponer en salones nacionales y alcanzar fama, es más que eso; es ser feliz con el trabajo que realizas; creo que nos afecta tanto lo que dicen los extranjeros de nosotros o de nuestro país, porque todavía no nos hemos convencido de el papel que juega el artista en la sociedad y lo peor no sabemos para qué nos sirve el arte.

2 Color Local

Se coloca como ejemplo el libro sagrado de los musulmanes (el Corán), donde el escritor Jorge Luis Borges hace dos paralelos, diciendo que Mahoma es el verdadero escritor de este libro árabe. Debido a que este nunca menciono los camellos, ya que para Mahoma los camellos hacían parte de su diario vivir, por lo tanto no veía la importancia de mencionarlos; por el contrario un falsario o turista lo primero que hubiera nombrado seria los camellos.

No tenemos que sacar a relucir los problemas de la casa para sentir que pertenecemos a ella. La mayoría de las veces los artistas colombianos plasman en sus obras el conflicto armado y la violencia para sentir que están cumpliendo con el país y con el papel de artistas, también se aprovechan de el tema porque creen que sus trabajos son más interesantes; hay que tener en cuenta que no soy más colombiano por que en todas mis obras corra sangre o coca como muchos extranjeros creen, pienso que no debemos rayar mas en el tema suficiente lo que hacen los medios………

3 Color

Un diseñador grafico presento ante la ministra de cultura una serie de avisos para un evento de arte; el color rojo de la portada no fue del agrado de la ministra, ya que decía que esta representaba un partido político, la portada fue cambiada por un color magenta.

Creo que siempre estamos estereotipando las cosas sin saber el fin con el que se hacen, ya que hay que pensar que no todo el mundo piensa igual, por lo tanto no clasifica las cosas igual y su significado varía de acuerdo al contexto en el que te muevas.

4 Sobre los paramilitares no se me ocurre nada

El tema trata la falta de compromiso social por parte de los artistas, el artista Rafael Gutiérrez toma una frase del escritor krauz y la coloca en el contexto donde esta; diciendo: “sobre los paramilitares no se me ocurre nada. Sobre los guerrilleros no se me ocurre nada. Sobre los medios no se me ocurre nada”. Sabiendo el artista que no se puede ser indiferente al conflicto, sino que el silencio explica la toma de posición.

Pienso que no se tiene que hablar del tema, para sentir dolor frente a lo que percibimos, lo que pasa es que nos gusta ver sangre para poder decir que nos dolió.

5 Artilugios

Este es el caso de un artista que realiza estatuas precolombinas con rasgos de los muñecos de Disney, el manifestaba que su nueva obra criticaba el uso oportunista y estereotipado de la violencia que hacían otros artistas. Su obra consistía en pequeños muñecos de juguete disfrazados con atuendos arquetípicos del país de Colombia. El artista imprimió una serie de fotos para vender los muñecos y puso un precio fijo hasta el 31 de diciembre, diciendo que luego de esta fecha los muñecos aumentaban un tercio más, nunc a se supo si el aumento del valor de la obra hacia parte de lo que quería decir, o si era que el aumento significaba otro arquetipo de violencia.

Se sabe que la situación del país no es fácil para ninguna profesión, mucho menos para los artistas y creo que muchos de ellos se aprovechan para sacar más de lo que es o de lo que nos merecemos, pienso que las obras que mucho dicen poco son; por lo tanto hay que hacer mas y decir menos.

6 Artilugios II

Un artista conocido por hacer acuarelas, le conto a su galerista que vendería su obra bajo ciertas reglas; la obra no podía ser vendida a un precio mayor, al contrario cada vez que la obra fuera re vendida debería disminuir su precio. El galerista le dijo que aceptaba pero que no respetaba su decisión.

Pienso que cuando el arte se convierte mas en un negocio que en un placer o gusto personal, pierde su razón de ser y de existir.

7 Licencia poética

El curador del banco central de un país centro americano, le propusieron que hiciera un escrito donde no tenía ningún límite, pero al trabajar tantos años bajo tantos parámetros y reglas, el mismo se coloco sus límites para evitar problemas. Un día quiso escribir algo informativo sobre arte, donde invitaba a críticos y curadores a enviar sus nombres para realizar una lista de los más recientes; el problema fue cuando escribió las reglas para poder aparecer en la lista, por más que quiso hacer escritos sin límites nunca pudo.

Creo que para el ser humano es difícil salirse de los parámetros o reglas que nos coloca la sociedad o que nos imponen de crianza, pero también creo que es posible ser original, poder romper estereotipos por más que los llevemos hace mucho tiempo; creo que cortar y cambiar significa crecer.

8 Los maestros que ignoraban

El departamento de artes de la universidad de wutendes, sustento su proyecto ante las autoridades del estado austriaco, en el iba la frase “formar a un estudiante critico”, el proyecto fue aprobado y sirvió de ayuda para los profesores de planta, para formular los objetivos, la misión y la visión de la institución. Todo esto se convirtió en un conflicto ya que los estudiantes de la escuela de artes hacían críticas en contra del plantel, y no obtenían respuesta de sus profesores, lo cual no se cumplía con la frase del ambiente crítico.

Lo que pasa en muchas partes es que las cosas empiezan súper bien y todo es lo mejor, como es el ejemplo de las instituciones educativas que ofrecen al estudiante las cosas que no puede alcanzar, se colocan demasiadas metas y al final no se sale con nada. Eso mismo pasa con los artistas o músicos hablan mucho pero a la hora de la verdad no salen con nada.

9 Sobre lo dúctil

La obra de arte de un artista joven recibió el segundo puesto del premio kinkade, que organiza la fundación de jóvenes artistas americanos. El premio era un viaje a parís y el registro de su obra en el portal de la fundación, al artista se le pidió la copia del video que presento como obra, el no envió el video y por lo contrario mando una fotografía de la secuencia de el video, cosa que no le gusto a la fundación; dejando al joven sin el premio. El artista luego de esto le dijo a un amigo en tono jocoso “esto me pasa por no ser dúctil”

Creo que el artista hizo lo correcto por que pasa que la gente quiere sacar más provecho de las cosas del otro, pero en realidad no buscan la esencia de las cosas, y no se debe tragar entero, ni que por que es artista le vean la cara .

10 Hambre

Este es un artista de un circo, el cual nunca ha encontrado un alimento que le guste, por lo tanto se la pasa ayunando y se dice que es el artista del hambre.

Las cosas no se deben hacer porque al espectador le guste, suficiente con tener satisfacción propia.